I was able to reuse the Geste-Brut balance first in painting, because to be honest, the door I had undertaken to repaint, this door was my bedroom door. To be more specific, it was the door to my new bedroom, a new bedroom in a shared flat. And when I had just moved into this bedroom, I felt comfortable but not well enough. The walls were a bit battered, dirty and apart from the window with its sky, I had no place to rest my eyes.

To avoid restoring all the walls, the solution I found was to paint flat colours on large surfaces to decorate the bedroom. At first, I imagined flat colours filling the whole surface, but I didn’t have a place to paint at that time. This was at the beginning of 2014. I then decided to use large sheets as a support and to paint these flat areas of colour not on the whole sheet, but only on the inside, thus allowing me to paint in my bedroom while avoiding as much as possible making stains on the floor. But then the question arose as to what shape to use to make the flat areas. To answer this question, I thought of making a rectangle inside the sheet, with straight lines, but after a few tries, I started to give up because it was quite tiring and risky. Finding the centre, making a rectangle with the right proportions, drawing the lines well, filling in without overflowing… Then, while waiting to find a solution, I undertook to repaint the door and after the first brushstroke, or Geste-Brut I should say, I decided a few days later, to reuse this form of balance to make the flat areas of colour :

And as you can see on the picture above, I took a large brown sheet of paper and put it on the floor, then I put my feet on it to avoid the sheet moving, and I made a brushstroke, to try to find the same balance shape as the first brushstroke on the door. But having already planned things beforehand, I felt that I wasn’t going to get it back so easily, so I decided to make my brushstroke on the left-hand side of the sheet, leaving me space on the right-hand side to make further attempts. Then, once I had done it, with my feet still on the sheet, and not sure if I had succeeded, I did it again. I did it again, but decided to make two brush strokes, side by side, in one go. I thought of this idea because I thought that by doing two brushstrokes I could concentrate on getting the second brushstroke done, so I could be less vigilant about the first. Once this was done, and I felt I had no more room on my paper, I lifted my feet and noticed that my feet had left marks, something I had not anticipated. Seeing these marks, like stamps, frightened me as much as a stain, but also gave me the feeling that it was a signature. A signature that showed me the balance of the three brush strokes. I was so excited that I decided, with a smaller brush and a different colour, to sign it too.

Then, noticing that the balance appeared, in a burst of confidence, I took a new sheet of paper to make a rectangle of colour, a rectangle that would be made without worrying too much about its shape. I then put the sheet on the ground, then this time I put a foot on the sheet, inside the rectangle I was going to make, then I told myself that to make the rectangle I was going to start with the corners that I was then going to connect with the sides, to then fill in. So I made those corners. But when I made them, I moved my foot, and I still had the sensation of a signature, a signature that showed me the four corners :

So I stopped, even though I really wanted to finish. And I took a new sheet of paper to make a rectangle again, starting directly with the sides. Then once I had done it, as I was planning to fill in the inside, I realised that it was balanced, like the first brush stroke on my door :

I stopped again, even though I really wanted to finish. And I took a new sheet to make a rectangle again, this time starting directly with the filling. I put the sheet on the ground, put my foot on it, then I made a filling with several brushstrokes, which I tried to do quickly with as little control as possible. Then in the rush, at one point I realised that I wasn’t going to be able to fill in where I had put my foot. And that made me pause, and then I lifted my foot, and I saw that the whole thing was again similar to the first brush stroke on the door :

So I stopped again, even though I really wanted to finish. And I took a new sheet. It was not the same colour as the previous ones, it was my last sheet. I put it on the floor, and then I realised that I was going to have to put my foot outside the coloured rectangle, as if I had to start signing from the beginning, make the rectangle, and then finish my signature. And that’s what I did, but I made the rectangle with corners, then sides, and finally I filled it in, in one brushstroke :

This series of experiments, which I called flat and balance, was my first attempt to reuse the balance of Geste-Brut. A few weeks later, I made a new series. This time I had planned to use white sheets, of better quality. I found it interesting that the colour of the support was important, as I was not doing my flat colour on the whole support. For me, seeing the support around the flat surface was like seeing the workshop. I also planned to use new pigments and mediums, in order to experiment with different colour schemes and balances. Then I had an idea. I thought that instead of using a traditional brush to paint my flat areas, I would use a sheet of paper, thus allowing me to have less control over the realization of my rectangle since the presence of the sheet of paper between me and the rectangle would block my view, and moreover the sheet of paper would be difficult to handle to spread the paint, thus provoking more hazards. Then once used, I would be able to recover the sheet and its balance of spread paint, making it a Geste-Brut brush sheet.

So I took one of the white sheets, put it on the floor, sat on my buttocks at the bottom of the sheet, both legs half-bent in front, on either side of the sheet. Then with a tube of purple oil paint, and a future brush sheet, I started to do my flat. But once the paint was on, just before using my brush sheet to spread it, I realised that it was balanced. And I stopped, even though I really wanted to finish :

Then I took a new sheet of paper, put the paint on, spread it out, and kept the brush sheet, which I hung up for the occasion, on a large sheet of paper, adding a signature :

Then I did other experiments, like sprinkling pigment to find more balance of Geste-Brut, or spreading it this way, then that way, etc.

And in addition to the white sheets, something I didn’t tell you about, I had given myself a nice coloured sheet that I kept for the end :

After this series, a few weeks later, I made a new series with several coloured sheets, and succeeded in finding a workshop to paint :

Then at last, I was able to decorate the walls of my bedroom, and thus offer myself several places to rest my eyes :

And between these different series, I found an American frame. It was a local craftsman who had painted the whole frame in white, but he had left the inside unpainted, as this is normally the place where a work of art is installed to be framed. This frame was an order, but the client had not come to pick it up for a while. The craftsman agreed to sell it to me, and I left with the frame to decorate my room as well. I show it to you because I find it a particular example of Geste-Brut. Between the craftsman, who only paints the edges, and me, who doesn’t paint all the way to the edges, we both manage to make rectangles :

That’s it for the painting part.

As for the drawing, the reuse of the Geste-Brut balance took a little more time. You have to know that at that time I was already used to drawing. I used to draw as a child, as a teenager, and most of the time it was on small sheets of paper. Then, when I started to attend live model sessions, I switched to large sheets. It was a difficult thing to do, but it allowed me to unleash my features :

These strokes, I made with different tools, like charcoal, black stone, pastels, felt pens, watercolours, or others, and I already found in them something close to the balance of Geste-Brut. But since I had moved into this new bedroom, I didn’t have much space to store what I was producing. So, realising that I had to find a solution, I decided to change my drawing habits.

The first thing I changed was the size of my sheets. I went back to small A4 sheets, something that had become difficult for me, but that allowed me to store more drawings more easily. I chose white printer’s paper, with a weight of 200 grams per square metre, which gave me the feeling of a real sheet to draw on, as well as offering me an economical support, allowing me to produce without having the cost as a primary concern.

At the same time, I changed my tools, preferring a black point pen, which offered me something simple and economical. In addition, I had an idea in mind, the idea was, with both parameters, white sheet and black point pen, I would be able to take digital photographs of my various productions, and thus I would be able to store them a second time, but in digital format, more transportable and shareable. And I also had the idea that I could print them on larger or smaller sheets, and that I could also add colours, or other lines, thus making a kind of base that could evolve, while transforming the A4 format into something dimensionless. I also imagined that with this digital aspect, I could combine different drawings with each other. This is why my form of drawing is closely linked to the worlds of reproduction such as engraving or silk-screening, as well as to the worlds of volume, sculpture and digital. And this transforms my handmade drawings into photo negatives, while at the same time transforming the prints into photo positives, treating both forms as originals.

Another habit I have changed is the place and time of drawing. I used to draw during live model sessions, or on specific occasions. With this A4 size and black tip pen, it was easy to carry them with me all day long, and as a result I found myself able to draw all the time, anything I might encounter in my daily life, whenever I felt like it.

Another habit that I changed was my drawing technique itself. When I was in high school, I had a maths teacher who was blind. What impressed me the most was her ability to write lessons or draw graphs on the board. With one hand, she would put her index finger on the board, which served as a reference point, and with the other hand, equipped with a chalk, she would draw her letters or the abscissa, the ordinate, and the various curves, not perfectly but with enough precision to amaze me. I was inspired by her to change my drawing technique. Instead of constantly going back and forth between my paper and the subject, I tried to use her technique little by little. In addition, this technique allowed me to learn a random aspect, a random aspect that echoed the balance of Geste-Brut.

These different changes of habit occurred simultaneously, because to me it was only when taken as a whole that they formed a coherence. And I saw in this coherence a profound change in my workshop. I use the term “workshop” to refer to my place of production, my production machine, my production time and my storage place. That’s why I mentioned the American framework earlier, before making the transition between painting and drawing. The craftsman had a workshop, that’s why he could paint the edges of the American frame. In painting what I changed mainly was my application, while in drawing what I changed mainly was my workshop :

I also used these techniques in the live model classes I attended, as I spent a lot of time in this filed :

Then I gradually started to draw from imagination. This happened because I could get tired of drawing things I saw after a while, and imagination gave me the opportunity to change that :

I was also able to use this set of techniques to copy existing photographs or paintings :

Then I could experiment with combining different drawings with each other :

As for writing, I wasn’t used to it, but I wanted to try this medium. And finding myself with sheets of paper and pens all the time, I started practising quite quickly. The first opportunity came when a social network on the internet offered me to write a message for my brother’s birthday. I decided to take one of my drawing sheets and write the message for real. Then I took a digital photograph of it, and sent the message to the recipient:

“Happy birthday my brother.”

After that I continued to write about things coming from me or from outside, about things I wanted to say or things I heard :

“To write you must have the possibility to write.”

“The need for an individual process.”

“We do things without realising it”

“There was the sound of wind, dripping water, and the sound of cars digging tracks in the wet asphalt.”

” I am sure you can see here, that today I took the time to stretch myself.”

“Take, from this artwork, what may help you.”

Then balances of Gesture-Brut appeared quite quickly. Like this sheet below, on which I had written an A but crossed it out, because I had changed the beginning of my sentence. And after crossing it out, I realised that the whole thing was balanced, a bit like the first brush stroke on the door :

Afterwards, I took a new sheet of paper to give my crossed-out A a title :

“This is a drawing.”

Here’s another example of Geste-Brut balance that I experienced while writing:

I wanted to write a sentence, and that sentence started with I, wich is Je in french. And once I wrote the I, I realised that it was equivalent to the first brushstroke on the door. It was the first stone to write what I wanted to express. And I stopped. I also realised that it was like a portrait of me at that moment.

Then, as I was thinking, I said to myself that if my sentence had started with You, the You would have been like a portrait of me at that moment, thinking of someone. The same goes for the He, the She, the We, the Us, the You, the They, the They. So I started to write them down, one by one :

Then, once I had done so, I wanted to write all these pronouns on the same page, in order to show that even taken together, they remain one and the same portrait of me:

Once this was done, I realised that a variant of all the pronouns taken together could exist, and that this variant could therefore downgrade what I had done earlier in the first brush stroke :

Then I realised that with all this together I could make a book out of it :


And the fact of being able to make books, reappeared quite quickly and naturally. One day when I had a live model course at the university, I went to take the bus, and on the way, which was quite long, I drew and wrote, then I attended the course, and I went back by bus. And when I got home, I realised that all the things I had produced that day, which I had kept in chronological order, formed a Geste-Brut book. I then took photos of them, and I entitled this book: A workday.

But once I had taken the photos, I realised that I had put my production in disorder, and that the particular way this disorder had taken shape, formed a new Geste-Brut book. And I called this book: A daily work.

On another occasion I went to a party with shows, to which a friend had invited me. As it was my new habit, I had drawing and writing materials with me. When the evening was over, I realised that what I had produced was a Geste-Brut book, and that as well as being able to change the order, I could add or remove things. I called this book: One evening of celebration.

These steps of reusing Geste-Brut in drawing, painting, and writing allowed me, in addition to the conceptual approach, to discover HyperBrut art in late 2014. And following this discovery, I continued my production. You can find a whole selection of examples of this production on the next page Évolution ( Evolution ).

J’ai pu réutiliser l’équilibre du Geste-Brut d’abord dans la peinture, car pour tout avouer, la porte que j’avais entrepris de repeindre, cette porte était la porte de ma chambre. Plus précisément, c’était la porte de ma nouvelle chambre dans une colocation. Et lorsque je venais de m’installer à l’intérieur de cette chambre, je me sentais bien mais pas assez. Les murs étaient un peu abîmés, salis et hormis la fenêtre avec son ciel, je n’avais pas d’endroit où me reposer les yeux.

Pour éviter de rénover tous les murs, la solution que j’ai trouvée fut de peindre des aplats de couleurs sur de grands supports afin d’habiller la chambre. Au début, j’imaginais des aplats remplissant l’ensemble du support, mais je n’avais pas de lieu pour peindre à cette époque. C’était au début de l’année 2014. J’ai alors décidé d’utiliser comme support des grandes feuilles et de peindre ces aplats de couleurs non pas sur l’ensemble de la feuille, mais seulement à l’intérieur, me permettant ainsi de pouvoir peindre dans ma chambre en évitant au maximum de faire des taches sur le sol. Mais là, s’est posée la question de savoir quelle forme utiliser pour réaliser les aplats. Pour y répondre, j’avais pensé à faire un rectangle à l’intérieur de la feuille, avec des lignes bien droites, mais après quelques essais, j’ai commencé à abandonner car c’était assez fatiguant et risqué. Trouver le centre, faire un rectangle aux bonnes proportions, bien tracer les traits, remplir sans déborder… Puis, en attendant de trouver une solution, j’ai entrepris de repeindre la porte et après le premier coup de pinceau, ou Geste-Brut devrai-je dire, j’ai quelques jours après, décidé de réutiliser cette forme d’équilibre pour réaliser les aplats de couleurs :

Et comme vous pouvez le voir sur l’image ci-dessus, pour cela, j’ai pris une grande feuille marron que j’ai mise au sol, puis j’ai posé mes pieds dessus afin d’éviter que la feuille ne bouge, et j’ai fait un coup de pinceau, pour essayer de retrouver la même forme d’équilibre que le premier coup de pinceau sur la porte. Mais ayant déjà prévu les choses en amont, je sentais que je n’allais pas retrouver cela si facilement, c’est pourquoi j’ai décidé de faire mon coup de pinceau sur la partie gauche de la feuille, me laissant ainsi de l’espace sur la droite, pour faire d’autres essais. Puis, une fois réalisé, les pieds toujours posés sur la feuille, et ne sachant pas trop si j’avais réussi, j’ai réitéré. J’ai réitéré, mais en décidant de faire deux coups de pinceau, côte à côte, en une seule fois. J’ai pensé à cette idée, car je me suis dit qu’en faisant deux coups de pinceau, je pouvais me concentrer sur le fait que le deuxième coup de pinceau soit effectué, ainsi je pouvais être moins vigilant sur le premier. Une fois tout cela réalisé, et jugeant ne plus avoir de place sur ma feuille, j’ai levé mes pieds, puis j’ai remarqué que mes pieds avaient laissé des traces, chose que je n’avais pas prévue. Le fait de voir ces traces, tel des coups de tampon, m’a fait aussi peur qu’une tache mais m’a aussi donné la sensation que c’était une signature. Une signature qui me montrait l’équilibre des trois coups de pinceau. Tout enjoué, je me suis résolu avec un pinceau plus petit et une autre couleur, à signer moi aussi.

Puis constatant que l’équilibre apparaissait, dans un élan de confiance, j’ai pris une nouvelle feuille pour y faire un rectangle de couleur, rectangle qui serait réalisé sans trop me tracasser vis à vis de sa forme. J’ai alors posé la feuille au sol, puis j’ai posé cette fois-ci un pied sur la feuille, à l’intérieur du rectangle que je comptais faire, puis je me suis dit que pour faire le rectangle j’allais commencer par les coins que j’allais ensuite relier avec les côtés, pour après remplir. Alors je les ai faits, ces coins. Mais lorsque je les ai faits, j’ai bougé mon pied, et j’ai eu encore la sensation de signature, signature qui me montrait les quatre coins :

Je me suis donc arrêté, même si je souhaitais vraiment terminer. Et j’ai pris une nouvelle feuille pour refaire un rectangle, en commençant directement par les côtés. Puis une fois réalisé, alors que je comptais remplir l’intérieur, je me suis rendu compte que c’était équilibré, comme le premier coup de pinceau sur ma porte :

Je me suis encore une fois arrêté, même si je souhaitais vraiment terminer. Et j’ai pris une nouvelle feuille pour refaire un rectangle, en commençant cette fois-ci directement par le remplissage. J’ai mis la feuille au sol, j’ai posé mon pied dessus, puis j’ai fait un remplissage avec plusieurs coups de pinceau, que je tentais de faire rapidement en contrôlant le moins possible. Puis dans la vitesse, à un moment je me suis rendu compte que je n’allais pas pouvoir remplir à l’endroit où j’avais posé mon pied. Et cela m’a fait prendre une pause, puis j’ai soulevé mon pied, et j’ai vu que l’ensemble était encore une fois similaire au premier coup de pinceau sur la porte :

Je me suis donc encore, encore une fois arrêté, même si je souhaitais vraiment terminer. Et j’ai pris une nouvelle feuille. Elle n’était pas de la même couleur que les précédentes, c’était ma dernière. Je l’ai mise au sol, et là je me rendais bien compte que j’allais devoir poser mon pied à l’extérieur du rectangle de couleur, comme si je devais dès le début commencer par signer, faire le rectangle, puis finir ma signature. Et c’est ce que j’ai fait, mais en faisant le rectangle avec des coins, puis côtés, et enfin j’ai rempli, en un seul coup :

Cette série d’expériences que j’ai nommée aplat et équilibre, fut ma première tentative de réutilisation de l’équilibre du Geste-Brut. Quelques semaines plus tard, j’ai fait une nouvelle série. J’avais prévu cette fois des feuilles blanches, de meilleure qualité. Je trouvais ça intéressant que la couleur du support ait de l’importance, étant donné que je ne faisait pas mon aplat de couleur sur tout le support. Pour moi, voir le support autour de l’aplat c’était comme voir l’atelier. J’avais prévu aussi des nouveaux pigments et médiums, afin d’expérimenter différents jeux de couleurs et d’équilibres. Puis j’avais eu une idée. Je m’étais dit qu’au lieu d’utiliser un pinceau classique pour peindre mes aplats, j’allais utiliser une feuille, me permettant ainsi d’avoir moins de contrôle sur la réalisation de mon rectangle puisque la présence de la feuille entre moi et le rectangle, allait m’obstruer la vue, et en plus la feuille serait difficile à manier pour étaler la peinture, provoquant ainsi plus d’aléas. Puis une fois utilisée, j’allais pouvoir récupérer la feuille et son équilibre de peinture étalée, faisant d’elle une feuille-pinceau Geste-Brut.

J’ai donc pris une des feuilles blanches, je l’ai posée au sol, je me suis assis sur les fesses en bas de la feuille, les deux jambes devant à moitié pliées, de chaque côté de la feuille. Puis avec un tube de peinture à l’huile couleur violet, et une future feuille-pinceau, j’ai commencé à entreprendre mon aplat. Mais une fois la peinture posée, juste avant d’utiliser ma feuille-pinceau pour l’étaler, je me suis rendu compte que c’était équilibré. Et je me suis arrêté, même si je souhaitais vraiment terminer :

Puis j’ai pris une nouvelle feuille, j’ai posé la peinture, j’ai étalé, et j’ai gardé la feuille-pinceau, que j’ai accrochée pour l’occasion, sur une grande feuille, en ajoutant une signature :

Puis, j’ai fait d’autres expériences, comme saupoudrer du pigment afin de trouver plus d’équilibre de Geste-Brut, ou bien étaler de cette façon, puis de cette façon, etc.

Et en plus des feuilles blanches, chose que je ne vous avait pas dite, je m’étais offert une belle feuille de couleur que je gardais pour la fin :

Après cette série, quelques semaines plus tard, j’ai fait une nouvelle série avec cette fois plusieurs feuilles de couleur, et en réussissant à avoir un atelier le temps de peindre :

Puis enfin, j’ai pu habiller les murs de ma chambre, et ainsi m’offrir plusieurs endroits pour me reposer les yeux :

Et entre ces différentes séries, j’ai trouvé un cadre américain. C’était un artisan du quartier qui avait peint en blanc l’ensemble du contour, mais il avait laissé l’intérieur sans peinture puisque c’est normalement l’endroit où une œuvre est installée pour être encadrée. Ce cadre était une commande, mais le client n’était pas venu la chercher depuis un moment. L’artisan a accepté de me le vendre, et je suis reparti avec ce cadre afin qu’il habille lui-aussi ma chambre. Je vous le montre car je trouve en lui un exemple particulier de Geste-Brut. Entre moi qui ne peins pas jusqu’au bords, et l’artisan qui lui ne peint que les bords, nous arrivons tout les deux à faire des rectangles :

Voilà pour la partie peinture.

En ce qui concerne le dessin, la réutilisation de l’équilibre du Geste-Brut a pris un peu plus de temps. Il faut savoir qu’à cette époque j’avais déjà l’habitude de dessiner. Petit je dessinais, adolescent aussi, et le plus souvent c’était sur des petites feuilles. Puis, quand j’ai commencé à suivre des séances de modèle vivant, je suis passé sur des grandes feuilles. C’était quelque chose de difficile, mais cela m’a permis de libérer mes traits :

Ces traits, je les réalisais avec différents outils, comme le fusain, la pierre noire, les pastels, les feutres, les aquarelles, ou autres, et je trouvais déjà en eux quelque chose proche de l’équilibre du Geste-Brut. Mais depuis que je m’étais installé dans cette nouvelle chambre, je n’avais plus beaucoup d’espace pour stocker ce que je produisais. Alors, constatant qu’il fallait que je trouve une solution, je me suis résolu à changer mes habitudes de dessin.

La première habitude que j’ai changée, c’est la taille de mes feuilles. Je suis revenu à des petites feuilles, format A4, chose qui m’était devenue difficile, mais cela me permettait de stocker plus facilement, beaucoup plus de dessins. J’avais choisi des feuilles blanches pour imprimante, avec un grammage dans les 200 grammes par mètre carré, ce qui me donnait une sensation de vraie feuille pour dessiner, en plus de m’offrir un support économique, permettant de produire sans avoir le coût pour préoccupation première.

En même temps, j’ai changé d’outils, privilégiant un stylo à pointe noire, ce qui m’offrait quelque chose de simple et économique. En plus, j’avais une idée en tête, cette idée était qu’avec les deux paramètres, feuille blanche et stylo à pointe noire, j’allais pouvoir prendre en photographie numérique mes différentes productions, et ainsi j’allais pouvoir les stocker une deuxième fois, mais sous le format numérique, plus transportable et partageable. Et j’avais en plus l’idée de pouvoir les imprimer sur des feuilles plus grandes ou plus petites, et que j’allais aussi pouvoir ajouter des couleurs, ou d’autres traits, faisant ainsi une sorte de base qui peut évoluer, tout en transformant le format A4 en quelque chose sans dimension. J’imaginais aussi qu’avec cet aspect numérique, j’allais pouvoir combiner différents dessins entre eux. C’est pourquoi ma forme de dessin est intiment liée aux mondes de la reproduction telles la gravure ou la sérigraphie, ainsi qu’aux mondes du volume, de la sculpture et du numérique. Et cela transforme tels des négatifs de photos mes dessins fait à la main, tout en transformant tels des positifs de photos les impressions, en même temps de traiter ces deux formes comme des originaux.

Une autre habitude que j’ai modifiée, c’est le lieu et le moment pour dessiner. Avant je dessinais lors des séances de modèle vivant, ou à des occasions bien spécifiques. Par ce format A4 et ce stylo à pointe noire, il m’était facile de les avoir sur moi à longueur de journée, et par conséquent je me suis retrouvé en capacité de dessiner tout le temps, tout ce que je pouvais rencontrer dans mon quotidien, quand j’en avais l’envie.

Encore une autre habitude que j’ai modifiée, c’est ma technique de dessin elle-même. J’avais eu lors de mes études au lycée, une professeure de mathématiques qui était aveugle. Ce qui m’avait le plus marqué, c’était sa capacité à écrire les cours ou à dresser des graphiques sur le tableau. Avec une main, elle posait son index sur le tableau, ce qui lui servait de repère, puis de l’autre main munie d’une craie, elle traçait ses lettres ou l’abscisse, l’ordonnée, et les différentes courbes, pas parfaitement mais avec assez de précision pour m’étonner. Je me suis inspiré d’elle pour changer ma technique de dessin. Au lieu de constamment faire des aller-retours entre ma feuille et le sujet, j’ai tenté petit à petit de m’approprier sa technique. Et en plus cette technique me permettait d’apprivoiser un aspect aléatoire, aspect aléatoire qui me faisait écho à l’équilibre du Geste-Brut.

Ces différents changements d’habitudes se sont opérés simultanément, car à mes yeux c’était seulement pris dans un ensemble qu’ils formaient une cohérence. Et je voyais dans cette cohérence une modification profonde de mon atelier. Je dis atelier pour signifier à la fois mon lieu de production, ma machine de production, mon temps de production, et mon lieu de stockage. C’est pour cela que j’ai cité le cadre américain précédemment, avant de faire la transition entre peinture et dessin. L’artisan avait un atelier, c’est pour cela qu’il a pu peindre les bord du cadre américain. Dans la peinture ce que j’ai principalement changé c’est mon application, alors que dans le dessin ce que j’ai principalement changé c’est mon atelier :

J’ai aussi utilisé ces techniques dans les cours de modèle vivant que je suivais. Le modèle vivant étant un domaine dans lequel je consacrais beaucoup de temps :

Puis j’ai commencé petit à petit à faire du dessin d’imagination. Cela est apparu car je pouvais au bout d’un moment être fatigué de dessiner des choses que je voyais, et l’imagination me donnait l’occasion de changer cela :

Il m’est aussi arrivé de pouvoir utiliser cet ensemble de techniques pour recopier des photographies ou des peintures déjà existantes :

Puis j’ai pu expérimenter la combinaison de différents dessins entre eux :

En ce qui concerne l’écriture, je n’avais pas cela pour habitude, mais j’avais envie d’essayer ce médium. Et me retrouvant tout le temps avec des feuilles et des stylos, j’ai commencé assez rapidement à pratiquer. La première occasion s’est présentée lorsqu’un réseau social sur internet, m’a proposé d’écrire un message pour l’anniversaire de mon frère. Je me suis alors résolu à prendre une de mes feuilles de dessin afin d’écrire pour de vrai ce message. Ensuite je l’ai pris en photographie numérique, et j’ai envoyé le message à son destinataire :

Après j’ai continué à écrire sur des choses venant de moi ou de l’extérieur, sur des choses que je voulais dire ou des choses que j’entendais :

Puis des équilibres de Geste-Brut se sont assez vite manifestés. À l’image de cette feuille ci-dessous, sur laquelle j’avais écrit un A mais où je l’ai barré, car j’avais changé le début de ma phrase. Et après l’avoir barré, je me suis rendu compte que l’ensemble était équilibré, un peu comme le premier coup de pinceau sur la porte :

Après, j’ai pris une nouvelle feuille afin de donner un titre à mon A barré :

Un autre exemple d’équilibre de Geste-Brut que j’ai rencontré dans l’écriture, c’est celui-ci :

J’ai voulu écrire une phrase, et cette phrase commençait par Je. Et une fois le Je écrit, je me suis rendu compte que c’était équivalent au premier coup de pinceau sur la porte. C’était la première pierre pour écrire ce que je souhaitais exprimer. Et je me suis arrêté. Je me rendais compte aussi que c’était comme un portrait de moi à cet instant.

Puis ma réflexion se faisant, je me suis dit que si ma phrase avait commencé par Tu, le Tu aurait été comme un portrait de moi à cet instant, en train de penser à quelqu’un. De même pour le Il, le Elle, le On, le Nous, le Vous, le Ils, le Elles. Alors, je me suis mis à les écrire, un par un :

Puis une fois réalisé, j’ai voulu écrire tous ces pronoms sur une même page, afin de signifier que même pris ensemble cela reste un seul et même portrait de moi :

Une fois réalisé, je me suis rendu compte qu’une variante de tous les pronoms pris ensemble pouvait exister, et cette variante pouvait par conséquent rétrograder ce que j’avais fait précédemment en premier coup de pinceau :

Puis, je me suis rendu compte qu’avec tout cet ensemble, je pouvais en faire un livre :

Et le fait de pouvoir faire des livres, est réapparu assez vite et naturellement. Un jour où j’avais un cours de modèle vivant à l’université, je suis parti prendre le bus, et dans le trajet qui était assez long, j’ai dessiné et écrit, puis j’ai assisté au cours, et je suis reparti en bus. Et une fois revenu chez moi, je me suis rendu compte que l’ensemble de ce que j’avais pu produire ce jour là, ensemble dont j’avais gardé l’ordre chronologique, formait un livre Geste-Brut. Je les ai alors pris en photo, et j’ai intitulé ce livre : Un jour de travail.

Mais une fois les photos prises, je me suis rendu compte que j’avais mis en désordre ma production, et que la façon particulière que ce désordre avait pris, formait un nouveau livre Geste-Brut. Et j’ai intitulé ce livre : Un travail de jour.

Une autre fois, je suis allé à une fête avec des spectacles, à laquelle un ami m’avait invité. Comme à mes nouvelles habitudes, j’avais sur moi de quoi dessiner et écrire. Puis la soirée écoulée, je me suis rendu compte que ce que j’avais produit formait un livre Geste-Brut, et qu’en plus de pouvoir modifier l’ordre, je pouvais rajouter des choses ou en retirer. J’ai intitulé ce livre : Un soir de fête.

Ces étapes de réutilisation du Geste-Brut dans le dessin, la peinture, et l’écriture m’ont permis, en plus de l’approche conceptuelle, de découvrir l’art HyperBrut à la fin de l’année 2014. Et après cette découverte, j’ai continué ma production. Vous pouvez retrouver toute une sélection d’exemples de cette production sur la prochaine page Évolution.

En primer lugar, pude reutilizar el equilibrio Geste-Brut en la pintura, porque, para ser sincero, la puerta de mi habitación era la que me había propuesto repintar. Para ser más concretos, era la puerta de mi nueva habitación en un piso compartido. Y cuando me acababa de mudar a esta habitación, me sentía cómodo pero no lo suficientemente bien. Las paredes estaban un poco maltratadas, sucias y, aparte de la ventana con su cielo, no tenía ningún lugar para descansar los ojos.

Para evitar restaurar todas las paredes, la solución que encontré fue pintar colores planos en grandes superficies para decorar la habitación. Al principio, imaginé que los colores planos llenarían toda la superficie, pero no tenía un lugar para pintar en ese momento. Esto fue a principios de 2014. Entonces decidí utilizar grandes hojas como soporte y pintar estas zonas planas de color no en toda la hoja, sino solo en el interior, lo que me permitía pintar en mi habitación evitando en lo posible hacer manchas en el suelo. Pero entonces surgió la pregunta de qué forma utilizar para hacer las zonas planas. Para responder a esta pregunta, pensé en hacer un rectángulo dentro de la lámina, con líneas rectas, pero después de algunos intentos, empecé a desistir porque era bastante cansado y arriesgado. Encontrar el centro, hacer un rectángulo con las proporciones adecuadas, dibujar bien las líneas, rellenar sin desbordar… Entonces, a la espera de encontrar una solución, emprendí el repintado de la puerta y después de la primera pincelada, o Geste-Brut debería decir, decidí unos días más tarde, reutilizar esta forma de equilibrio para hacer las zonas planas de color :

Y como podéis ver en la foto de arriba, cogí una hoja grande de papel marrón y la puse en el suelo, luego puse los pies sobre ella para evitar que la hoja se moviera, e hice una pincelada, para intentar encontrar la misma forma de equilibrio que la primera pincelada de la puerta. Pero como ya había planeado las cosas de antemano, sentí que no lo iba a recuperar tan fácilmente, así que decidí hacer mi pincelada en el lado izquierdo de la hoja, dejándome espacio en el lado derecho para hacer más intentos. Entonces, una vez que lo había hecho, con los pies aún sobre la hoja, y sin estar seguro de haberlo conseguido, lo volví a hacer. Lo hice de nuevo, pero decidí hacer dos pinceladas, una al lado de la otra, de una sola vez. Se me ocurrió esta idea porque pensé que dando dos pinceladas podría concentrarme en dar la segunda pincelada, y así podría estar menos pendiente de la primera. Una vez hecho esto, y cuando sentí que no tenía más espacio en mi papel, levanté los pies y me di cuenta de que mis pies habían dejado marcas, algo que no había previsto. Ver estas marcas, como sellos, me asustó tanto como una mancha, pero también me dio la sensación de que era una firma. Una firma que me mostraba el equilibrio de las tres pinceladas. Me emocioné tanto que decidí, con un pincel más pequeño y de otro color, firmarlo también.

Entonces, al notar que el equilibrio aparecía, en un arranque de confianza, tomé una nueva hoja de papel para hacer un rectángulo de color, un rectángulo que se haría sin preocuparse demasiado por su forma. Entonces puse la hoja en el suelo, entonces esta vez puse un pie en la hoja, dentro del rectángulo que iba a hacer, entonces me dije que para hacer el rectángulo iba a empezar por las esquinas que luego iba a conectar con los lados, para luego rellenar. Así que hice esas esquinas. Pero cuando las hice, moví el pie, y seguí teniendo la sensación de una firma, una firma que me mostraba las cuatro esquinas :

Así que me paré, aunque tenía muchas ganas de terminar. Y cogí una nueva hoja para volver a hacer un rectángulo, empezando directamente por los lados. Luego, una vez hecho, cuando pensaba rellenar el interior, me di cuenta de que estaba equilibrado, como la primera pincelada de mi puerta :

Volví a parar, aunque tenía muchas ganas de terminar. Y cogí una nueva hoja para volver a hacer un rectángulo, esta vez empezando directamente con el relleno. Puse la hoja en el suelo, apoyé el pie en ella, y luego hice un relleno con varias pinceladas, que intenté hacer rápidamente con el menor control posible. Entonces, con las prisas, en un momento dado me di cuenta de que no iba a poder rellenar donde había puesto el pie. Y eso me hizo hacer una pausa, y entonces levanté el pie, y vi que el conjunto volvía a ser similar a la primera pincelada de la puerta :

Así que volví a parar, aunque realmente quería terminar. Y cogí una nueva hoja. No era del mismo color que las anteriores, era mi última hoja. La puse en el suelo, y entonces me di cuenta de que iba a tener que poner el pie fuera del rectángulo de color, como si tuviera que empezar a firmar desde el principio, hacer el rectángulo, y luego terminar mi firma. Y eso es lo que hice, pero hice el rectángulo con esquinas, luego con lados, y finalmente lo rellené, de una sola pincelada :

Esta serie de experimentos, a los que llamé plano y equilibrio, fue mi primer intento de reutilizar el equilibrio de Geste-Brut. Unas semanas más tarde, hice una nueva serie. Esta vez había previsto utilizar hojas blancas, de mejor calidad. Me pareció interesante que el color del soporte fuera importante, ya que no hacía mi color plano en todo el soporte. Para mí, ver el soporte alrededor de la superficie plana era como ver el taller. También tenía previsto utilizar nuevos pigmentos y soportes, para experimentar con diferentes esquemas y equilibrios de color. Entonces se me ocurrió una idea. Pensé que en lugar de utilizar un pincel tradicional para pintar mis zonas planas, utilizaría una hoja de papel, lo que me permitiría tener menos control sobre la realización de mi rectángulo, ya que la presencia de la hoja de papel entre el rectángulo y yo me bloquearía la vista, y además la hoja de papel sería difícil de manejar para extender la pintura, lo que provocaría más peligros. Luego, una vez utilizada, podría recuperar la hoja y su saldo de pintura extendida, convirtiéndola en una hoja de pincel Geste-Brut.

Así que cogí una de las hojas blancas, la puse en el suelo, me senté sobre mis nalgas en la parte inferior de la hoja, con las dos piernas medio dobladas hacia delante, a cada lado de la hoja. Luego, con un tubo de pintura al óleo de color púrpura, y una futura hoja de pincel, empecé a hacer mi plano. Pero una vez que la pintura estaba puesta, justo antes de usar mi hoja de pinceles para extenderla, me di cuenta de que estaba equilibrada. Y me paré, aunque tenía muchas ganas de terminar :

Luego cogí una nueva hoja de papel, puse la pintura, la extendí y guardé la hoja de pinceles, que colgué para la ocasión, en una hoja grande, añadiendo una firma :

Luego hice otros experimentos, como espolvorear el pigmento para encontrar más equilibrio de Geste-Brut, o extenderlo de esta manera, luego de aquella, etc.

Y además de las hojas blancas, algo que no he contado, me había regalado una bonita hoja de color que guardé para el final :

Después de esta serie, unas semanas más tarde, hice una nueva serie con varias hojas de color, y logré encontrar un taller para pintar :

Entonces, por fin, pude decorar las paredes de mi habitación, y así ofrecerme varios lugares para descansar la vista :

Y entre estas diferentes series, encontré un marco americano. Se trataba de un artesano local que había pintado todo el marco en blanco, pero había dejado el interior sin pintar, ya que normalmente es el lugar donde se instala una obra de arte para enmarcarla. Este marco era un encargo, pero el cliente no había venido a recogerlo durante un tiempo. El artesano accedió a vendérmelo, y me fui con el marco para decorar también mi habitación. Os lo muestro porque me parece un ejemplo particular de Geste-Brut. Entre el artesano, que sólo pinta los bordes, y yo, que no pinto hasta los bordes, los dos conseguimos hacer rectángulos :

Eso en cuanto a la parte de la pintura.

En cuanto al dibujo, la reutilización del equilibrio Geste-Brut me llevó un poco más de tiempo. Hay que saber que en aquella época ya estaba acostumbrado a dibujar. Solía dibujar de niño, de adolescente, y la mayoría de las veces lo hacía en pequeñas hojas de papel. Luego, cuando empecé a asistir a sesiones de modelos en vivo, pasé a utilizar hojas grandes. Fue algo difícil, pero me permitió dar rienda suelta a mis rasgos:

Estos trazos los hacía con diferentes herramientas, como el carboncillo, la piedra negra, los pasteles, los rotuladores, las acuarelas u otros, y ya encontraba en ellos algo cercano al equilibrio del Geste-Brut. Pero desde que me había mudado a esta nueva habitación, no tenía mucho espacio para guardar lo que producía. Así que, al darme cuenta de que tenía que encontrar una solución, decidí cambiar mis hábitos de dibujo.

Lo primero que cambié fue el tamaño de mis hojas. Volví a las pequeñas hojas A4, algo que se me había hecho difícil, pero que me permitía almacenar más dibujos con mayor facilidad. Elegí papel de impresora blanco, con un gramaje de 200 gramos por metro cuadrado, que me daba la sensación de una hoja real para dibujar, además de ofrecerme un soporte económico, que me permitía producir sin que el coste fuera una preocupación primordial.

Al mismo tiempo, cambié mis herramientas, prefiriendo un bolígrafo de punta negra, que me ofrecía algo sencillo y económico. Además, tenía una idea en mente, la idea era, con ambos parámetros, hoja blanca y bolígrafo de punta negra, poder tomar fotografías digitales de mis diversas producciones, y así poder almacenarlas por segunda vez, pero en formato digital, más transportable y compartible. Y también tenía la idea de que podría imprimirlas en hojas más grandes o más pequeñas, y que también podría añadir colores, u otras líneas, haciendo así una especie de base que podría evolucionar, al tiempo que transformaba el formato A4 en algo sin dimensiones. También imaginé que con este aspecto digital podría combinar diferentes dibujos entre sí. Por ello, mi forma de dibujar está estrechamente vinculada a los mundos de la reproducción, como el grabado o la serigrafía, así como a los mundos del volumen, la escultura y lo digital. Y esto hace que mis dibujos hechos a mano se conviertan en negativos fotográficos, a la vez que las impresiones se convierten en positivos fotográficos, tratando ambas formas como originales.

Otro hábito que he cambiado es el lugar y el momento de dibujar. Solía dibujar durante las sesiones con modelos en vivo, o en ocasiones puntuales. Con este tamaño A4 y el bolígrafo de punta negra, era fácil llevarlos conmigo todo el día, y como resultado me encontré con que podía dibujar todo el tiempo, cualquier cosa que pudiera encontrar en mi vida diaria, cuando me apetecía.

Otro hábito que cambié fue mi propia técnica de dibujo. Cuando estaba en el instituto, tuve un profesor de matemáticas que era ciego. Lo que más me impresionaba era su habilidad para escribir lecciones o dibujar gráficos en la pizarra. Con una mano ponía el dedo índice en la pizarra, que le servía de punto de referencia, y con la otra, provista de una tiza, dibujaba sus letras o las abscisas, las ordenadas y las distintas curvas, no de forma perfecta pero sí con la suficiente precisión como para asombrarme. Ella me inspiró para cambiar mi técnica de dibujo. En lugar de ir constantemente de un lado a otro de mi papel y del sujeto, intenté utilizar su técnica poco a poco. Además, esta técnica me permitió aprender un aspecto aleatorio, un aspecto aleatorio que se hacía eco del equilibrio de Geste-Brut.

Estos diferentes cambios de hábito se produjeron simultáneamente, porque para mí sólo formaban una coherencia cuando se tomaban en su conjunto. Y vi en esta coherencia un cambio profundo en mi taller. Utilizo el término “taller” para referirme a mi lugar de producción, mi máquina de producción, mi tiempo de producción y mi lugar de almacenamiento. Por eso he mencionado antes el marco americano, antes de hacer la transición entre la pintura y el dibujo. El artesano tenía un taller, por eso podía pintar los bordes del marco americano. En la pintura lo que cambié principalmente fue mi aplicación, mientras que en el dibujo lo que cambié principalmente fue mi taller :

También utilicé estas técnicas en las clases de modelo en vivo a las que asistí, ya que pasé mucho tiempo en este campo :

Luego, poco a poco, empecé a dibujar a partir de la imaginación. Esto sucedió porque podía cansarme de dibujar cosas que veía después de un tiempo, y la imaginación me dio la oportunidad de cambiar eso :

También pude utilizar este conjunto de técnicas para copiar fotografías o pinturas existentes :

Entonces podía experimentar con la combinación de diferentes dibujos entre sí :

En cuanto a la escritura, no estaba acostumbrado, pero quería probar este medio. Y al encontrarme con hojas de papel y bolígrafos todo el tiempo, empecé a practicar bastante rápido. La primera oportunidad llegó cuando una red social de Internet me propuso escribir un mensaje para el cumpleaños de mi hermano. Decidí coger una de mis hojas de dibujo y escribir el mensaje de verdad. Luego le saqué una foto digital y envié el mensaje al destinatario :

“Feliz cumpleaños, hermano mío”.

Después seguí escribiendo sobre cosas que venían de mí o de fuera, sobre cosas que quería decir o sobre cosas que oía :

“Para escribir hay que tener la posibilidad de escribir”.

“La necesidad de un proceso individual”.

“Hacemos cosas sin darnos cuenta”.

“Se oía el ruido del viento, el goteo del agua y el sonido de los coches que cavaban huellas en el asfalto mojado”.

“Estoy seguro de que puedes ver aquí, que hoy me tomé el tiempo para estirarme.”

“Toma, de esta obra de arte, lo que pueda ayudarte.”

Entonces aparecieron rápidamente equilibrios de Geste-Brut. Como esta hoja de abajo, en la que había escrito una A pero la había tachado, porque había cambiado el comienzo de mi frase. Y después de tacharla, me di cuenta de que todo estaba equilibrado, un poco como la primera pincelada de la puerta:

Después, cogí una nueva hoja de papel para ponerle un título a mi A tachada :

“Esto es un dibujo”.

He aquí otro ejemplo de equilibrio Geste-Brut que experimenté mientras escribía:

Quería escribir una frase, y esa frase empezaba por Yo. Y una vez que escribí la Yo, me di cuenta de que equivalía a la primera pincelada de la puerta. Era la primera piedra para escribir lo que quería expresar. Y me paré. También me di cuenta de que era como un retrato mío en ese momento.

Entonces, mientras pensaba, me dije que si mi frase hubiera empezado por Tú, el Tú habría sido como un retrato mío en ese momento, pensando en alguien. Lo mismo ocurre con el Él, la Ella, el Nosotros, el Usted, el Ellos, la Ellas. Así que empecé a escribirlos, uno por uno :

Luego, cuando lo hice, quise escribir todos estos pronombres en la misma página, para mostrar que, incluso tomados en conjunto, siguen siendo un mismo retrato de mí :

Hecho esto, me di cuenta de que podía existir una variante de todos los pronombres tomados en conjunto y que, por tanto, esta variante podía rebajar lo que había hecho antes en la primera pincelada :

Entonces me di cuenta de que con todo esto junto podía hacer un libro :


Y el hecho de poder hacer libros, reapareció de forma bastante rápida y natural. Un día que tenía un curso de modelos en vivo en la universidad, fui a tomar el autobús, y en el camino, que fue bastante largo, dibujé y escribí, luego asistí al curso, y volví en autobús. Y cuando llegué a casa, me di cuenta de que todas las cosas que había producido ese día, que había guardado en orden cronológico, formaban un libro de Geste-Brut. Entonces les hice fotos y titulé este libro: Un día de trabajo.

Pero una vez tomadas las fotos, me di cuenta de que había desordenado mi producción, y que la forma particular en que este desorden había tomado forma, formaba un nuevo libro Geste-Brut. Y llamé a este libro Un trabajo diario.

En otra ocasión fui a una fiesta con espectáculos, a la que me había invitado un amigo. Como era mi nueva costumbre, llevaba conmigo material de dibujo y escritura. Cuando terminó la velada, me di cuenta de que lo que había producido era un libro de Geste-Brut, y que además de poder cambiar el orden, podía añadir o quitar cosas. Llamé a este libro: Una noche de fiesta.

Estos pasos de reutilización de Geste-Brut en el dibujo, la pintura y la escritura me permitieron, además del enfoque conceptual, descubrir el arte HyperBrut a finales de 2014. Y tras este descubrimiento, continué mi producción. Puedes encontrar toda una selección de ejemplos de esta producción en la siguiente página de Évolution ( Evolución ).